La madurez del rock: Los comienzos de la psicodelia, el rock progresivo y el rock sinfónico

José Ignacio González Mozos.- La segunda mitad de la década de los 60, va a ser una época de profunda transformación musical. Entre 1965 y 1976, hasta la llegada del punk, el rock desplegará un creciente interés por la búsqueda de una mayor variedad de vivencias sensoriales relacionadas con la experimentación sonora, que se desarrollarán principalmente dentro del contexto de la incipiente cultura underground.

(Prohibida la reproducción total o parcial de este artículo sin la autorización del autor)

El carácter iconoclasta de la cultura juvenil de la época, fomentará los movimientos estudiantiles en pro de la defensa de la libertad y los derechos civiles, hechos que van a cuestionar el orden político, económico y social de gran parte de los países desarrollados. Desde la independencia de las antiguas colonias, pasando por las primeras protestas en los países del Este de Europa contra los regímenes totalitarios, será el Mayo francés de 1968 la expresión más notoria de estas reivindicaciones, fomentando una especie de cultura estudiantil a nivel internacional que tendrá características propias en cada país, aunque apoyada en unos sólidos y comunes principios en la búsqueda de la libertad.

Esta transformación social y cultural, estuvo especialmente apoyada en la revolución tecnológica y el desarrollo económico, que hicieron de la música Rock el principal medio de expresión de la juventud occidental. La televisión, los tocadiscos, los discos de vinilo y los  casetes, ayudarán a extender rápidamente los diferentes estilos y tendencias musicales que se desarrollarían en este periodo. Pero esta revolución tecnológica, supondrá también un paso adelante en la creación de nuevas sonoridades. Estas nuevas sonoridades derivarán de la invención de nuevos instrumentos como por ejemplo el Mellotron y el Moog modular, sintetizador presentado en 1964 por Robert Moog y que era capaz de manipular completamente el sonido a través de generadores y filtros de onda. Muchos grupos de finales de los años 60 entre los que se encontraban Emerson Lake and Palmer, vieron en el sintetizador una manera de liberarse de los sonidos establecidos y de crear una música de futuro, por lo que su uso se generalizó.

Una primera evolución a partir del rock de los años 50 y principios de los 60, la tenemos en los grupos de la costa oeste de los Estados Unidos. Los grupos de Rock californiano idearon una nueva actitud creativa llamada psicodelia, que trataba de obtener a través de efectos sonoros tales como el uso del pedal wah-wah, la distorsión, o la reverberación, el equivalente musical a las experiencias alucinógenas producidas por las nuevas drogas como el LSD o la Mescalina. Este Rock Psicodélico, deudor por un lado del Folk Rock de Dylan y por otro del Rythm and Blues y de los grupos de la llamada Invasión Británica, tenía como rasgos de identidad su actitud antisistema y especialmente el interés por la experimentación sonora. Aunque grupos como Jefferson Airplane, Grateful Dead o The Byrds participan de la psicodelia, es el grupo californiano The Doors uno de los más representativos. Su primer álbum homónimo de 1967, consigue revolucionar el movimiento psicodélico y alternativo del momento. Presenta temas como “Break on Throught” o “The End” que fue utilizado por el director de cine Francis Ford Coppola en su película sobre la guerra del Vietnam, Apocalipse Now. Uno de los músicos más interesantes e influyentes de la costa oeste, un tanto difícil de clasificar, es Frank Zappa. Personaje trasgresor y creativo, en los años de la psicodelia se caracterizó por rechazar a través de su música la forma de vida americana y el sistema político que la mantenía. Su música abarcaba y mezclaba todos los estilos: clásica, rock, jazz, blues, etc…. Uno de sus discos más claramente psicodélicos es “We`re Only In It For Money”, en el que aborda la crítica política y social partiendo de la sonoridad psicodélica.

La psicodelia americana, tendrá su contrapartida en el continente europeo a través de su correspondencia británica y su estrato cultural underground, con grupos como Cream y The Jimi Hendrix Experience, quienes partiendo del Blues, del Rock y del Rythm and Blues, basarán su estética psicodélica en la habilidad instrumental, la improvisación y el ruido eléctrico.

Paralelamente al rock psicodélico, comienza a extenderse en el rock británico la idea de “progreso”, en términos de complejidad musical y experimentación sonora. En el disco de los Beatles  “Sergeant Pepper`s Lonely Heart Club Band” publicado el 1 de Junio de 1967,  se hace ya evidente el interés por estos conceptos, que serán desarrollados por otras bandas británicas que deseaban innovar y experimentar sobre la base del Rock. Estas bandas van a crear un estilo ecléctico que abarcará el jazz, la música clásica o incluso los guiños a la música étnica con el sonido del Sitar, pero todo esto dentro del contexto de un Rock liberado de las limitaciones comerciales. En este panorama underground británico, es importante destacar el papel jugado por ciertos clubs donde se fomentaban las actuaciones en directo de todo tipo de espectáculos experimentales, ya fueran musicales o visuales. Me refiero al club UFO inaugurado el 31 de Diciembre de 1966 y por cuyo escenario pasaron grupos de la talla de Pink Floyd o Soft Machine, films de Buñuel, Mekas y Andy Warhol, o espectáculos de percusión africana, free-jazz, etc…

Cuatro grupos formados hacia el último tercio de la década de los 60, serán los encargados de consolidar el Rock Psicodélico británico y hacerlo evolucionar hacia el denominado Rock Progresivo. Estos cuatro grupos serán Cream, Jimmy Hendrix Experience, Soft Machine y Pink Floyd en su primera etapa.

Tanto Cream, con su genial guitarrista Eric Clapton, como The Jimi Hendrix Experience, establecen la importancia de la improvisación y la habilidad instrumental en el rock, lo que abrirá las puertas al Rock Progresivo que está próximo a llegar. Soft Machine, grupo adscrito a la movida musical de Canterbury, continuó dando gran importancia a las improvisaciones  mezcladas con diferentes estilos musicales como el Free-jazz, el Rock y la Psicodelia. Álbumes como “Third” provocaron una verdadera convulsión entre la crítica de la época que llegó a afirmar que por fin el Rock era mayor de edad.

Pink Floyd que había comenzado en sus primeros años (con Syd Barrett) como una banda de Rock Psicodélico dentro del panorama underground británico con LP`s  tales como “The Pipper at The Gates of Down” de 1967, va a erigirse como uno de los grupos más

importantes de Rock del siglo XX, que llevará a este hacia la senda del Rock Progresivo con el álbum “The Dark Side of The Moon” de 1973. Seguirán otros álbumes conceptuales como, “Wish You Were Here” de 1975, “Animals” de 1977, o su opus magna “The Wall” de 1979.

En definitiva, la relativamente simple música “beat” de los primeros años 60, había dado paso a la revolución del Rock progresivo que fusionaba con naturalidad diversos estilos; clásico, blues o jazz, aumentando la extensión de los temas y su complejidad con largos solos de guitarra o teclados en los que se alababa el virtuosismo individual.

La segunda oleada de rock progresivo surgida a principios de los años 70, trató de experimentar en mayor grado con la combinación de música Clásica y Rock, lo que pondrá los cimientos del llamado Rock progresivo sinfónico con grupos como Emerson Lake and Palmer, Yes, King Crimson,  Genesis, Camel, Pink Floyd, Jetro Tull y más tarde otros como Marillion y Asia.

El uso de la música y orquestas clásicas no era nuevo, grupos como The Nice en su disco “Ars Longa, Vita Brevis” ya habían usado fragmentos de los conciertos de Brandeburgo de Bach y una versión del intermedio de la suite Karelia de Sibelius, el grupo Procol Harum en su famoso tema “A Whiter Shade of Pale” se inspiró en un Aria de Bach y los Beatles usarían un octeto de cuerda en su tema “Eleanor Rigby” de 1966; incluso The Moody Blues había fusionado en 1967 los sonidos de la orquesta clásica con los sonidos electrónicos del Rythm and Blues en su celebérrimo tema “Night in White Satin”.

Esto fue debido a que muchos músicos británicos de sólida formación académica, pretendían buscar una alternativa al Blues y al Folk estadounidense, y la música clásica se convirtió en el modelo a seguir. En la búsqueda de su propio sonido, las bandas utilizaron el sintetizador Moog, el Hammon y el Mellotron que con sus cintas pregrabadas era capaz de reproducir los sonidos de una orquesta de cuerda, de instrumentos de viento, etc…

Uno de los primeros grupos en colocar los cimientos de ese edificio llamado Rock Sinfónico fue “Emerson lake and Palmer” (ELP), quienes partiendo del Rock experimental y progresivo a caballo entre los años 60 y 70, lograrán crear un estilo musical nuevo y singular nunca escuchado hasta entonces. De virtuosismo ecléctico, se puede calificar su forma de adaptar e interpretar obras de música clásica de Bela Bartok, Bach, Janacek, Moussorgsky o Tchaikovsky procesadas a través del sintetizador Moog, el órgano Hammond y el clavicordio eléctrico, y que podemos apreciar claramente en álbumes como “ELP” (1970), “Tarkus” (1971), “Pictures at an exhibition” (1972), o “Trilogy” (1972).

Tres importantes trabajos pueden señalar el recorrido del Rock Sinfónico en sus primeros estadios; el álbum “In the court of the Crimson King” del grupo King Crimson editado en 1969, el disco “Close to The Edge” (1972) del grupo Yes y el desarrollo del Rock progresivo sinfónico comercial encarnado por el grupo Genesis, que con álbumes como “trespass” (1970) o “Foxtrot” (1972) desarrolla un estilo personal lleno de ingenio e inventiva.

“In the Court of Crimson King”, salió a la venta en Octubre de 1969 y supuso el punto de partida de todo el Rock Sinfónico que vendría más tarde. El disco fue impactante, desde su sonoridad efectista en la que se combinan instrumentos como el Mellotrón, los efectos de sonido trabajados en estudio, instrumentos como saxo, flauta, mezclas de guitarras eléctricas y acústicas, el lirismo de la voz de Greg Lake o la poesía onírica de los textos, que hacen de este álbum una obra maestra.

“Close to the Edge” del grupo Yes, fue publicado en 1972 y está compuesto por tres temas largos que tratan de evocar la grandiosidad sonora progresiva a través de arreglos vocales sofisticados, partes enérgicas de guitarra y bajo, así como densos estratos melódicos de órgano, piano, sintetizador y clavecín que por momentos evocan la música psicodélica en un sano ejercicio de libertad creativa.

Hacia 1975, el Rock progresivo se había transformado ya en un producto de consumo que obedecía las ordenes de la gran industria del disco, bajo la que perdió su frescura y originalidad inicial, pasando de ser la singular manifestación de una cultura alternativa a transformarse en un mero espectáculo de consumo. Quizá esa sea la razón por la que la autenticidad del Punk británico, que aparece en 1976, impresionara tanto al público juvenil obligando al mercado discográfico y a las bandas de Rock a adaptarse a los nuevos rumbos del momento  que se revelarán contra los “excesos” artísticos y tecnológicos del rock progresivo.

EL ROCK PROGRESIVO EN ESPAÑA EN LOS 70

Al igual que pasara en el resto de Europa, el Rock progresivo español comenzaría a tomar forma a finales de la década de los 60 y principios de los 70, con la peculiaridad de que la férrea censura franquista, expectante por evitar la entrada de elementos subversivos por nuestras fronteras que corrompieran a nuestra juventud, obligase a cambiar portadas de discos, mutilar o eliminar temas sospechosos de inducir al consumo de drogas o a actitudes contrarias a los rígidos preceptos oficiales de la sociedad española de la época, lo que hará de muchos discos una mercancía prácticamente ilegal. Sin embargo, es casi imposible poner freno al ansia de conocimiento y libertad del ser humano con lo que finalmente la música psicodélica y experimental procedente de Estados Unidos y Reino Unido entrará en España, teniendo su contrapartida hispana en tres importantes grupos pioneros del Progresivo español. Me refiero a “Módulos”, “Máquina” y “Smash”.

Módulos nació en 1969 en Madrid de la mano de Pepe Robles al que se unirían Tomás Bohórquez, Emilio Bueno y Juan Antonio García Reyzábal. Es a partir de 1976 y debido al abandono de algunos de los miembros de la banda original, Emilio Bueno y García Reyzábal, cuando se suman a ella José Luis Campuzano (Sherpa), Juan Robles “Cánovas” y más tarde “Chupi” de la fuente.  Su primer álbum de 1969 “Realidad” rompe con las normas de duración de las canciones comerciales vigentes hasta entonces, abriendo por otra parte el camino hacia el progresivo sinfónico español con los sonidos del Hammond B-3 en su tema estrella, “Todo tiene su fin”. Su segundo álbum “Variaciones” de 1970 mantiene su estilo progresivo aunque es en el tercero, “Plenitud” de 1972, y en el cuarto, “Módulos 4” de 1974, donde se adentran ya en un Rock progresivo  mucho más comercial, que perderá la frescura original del grupo.

Máquina fue fundado en 1968 en Barcelona por Jordi Batiste y Enric Herrera, a quienes originalmente se unieron Luis Canabach y Santiago García Cortés, aunque los continuos cambios de formación serán una de sus señas de identidad. Su primer LP “Why?” de 1970, desarrolla a lo largo de más de 23 minutos, cosa poco usual en esta época en España, un largo recorrido psicodélico en el que se desarrollan impresionantes diálogos entre la guitarra y los teclados en un alarde de virtuosismo e improvisación que lo han convertido en un mito del progresivo español. Máquina se convertirá en el grupo seminal del underground catalán, al que seguirán otros grupos como Grup de Folk, Agua de Regaliz, Pau Riba, Pan y Regaliz, Cerebrum, Orquesta Mirasol o Iceberg.

Smash se formó en 1968 con Gualberto García, Julio Matito, Antonio Rodriguez, y más tarde el guitarrista danés Henrik Liebgott y el guitarrista flamenco Manuel Molina. Smash se caracterizará por mezclar en un principio la Psicodelia y el Blues, que en ocasiones adornaban con sonidos flamencos y orientales como en el tema “Behind the Stars” perteneciente al LP “We come to Smash this Time”, en el que gracias al Sitar de Gualberto se conseguía dar el toque progresivo a su sonido. Su mezcla de Flamenco y Rock, creará un Rock progresivo de gran influencia en los futuros grupos del denominado Rock Andaluz.

Ya antes que Smash, el guitarrista Sabicas había mezclado el flamenco con otros estilos musicales entre ellos el Rock. Esta idea de fusión proyectada por Sabicas y por Smash, caló hondo entre la juventud andaluza de finales de los años 60, lo que unido a la gran cantidad de música que entraba clandestinamente por Gibraltar, debido a la censura franquista, hará que se desarrolle el embrión del Rock Andaluz.

Entre todos los grupos de Rock Andaluz de los 70, el más importante es el grupo sevillano, fundado en 1974 y descubierto por Gonzalo García-Pelayo para su sello Gong, llamado Triana. Triana estaba formado por Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Juan José Palacios, quienes intentaron con éxito fundir el Rock progresivo con los sonidos de la música andaluza, sentando las premisas de un Rock andaluz que bebe por un lado de la tradición melódica del pueblo andaluz y por otro de las experimentaciones sonoras de Robert Fripp y su grupo King Crimson. Esta idea de fusión la podemos apreciar en el que fue su primer álbum “El Patio” de 1975, al que seguirán otros como “Hijos del Agobio” (1977), “Sombra y Luz” (1979) y “Un Encuentro” (1980), con los que se ganarán el respeto y la admiración dentro de este género musical.

Con sus dos últimos álbumes “Triana” (1981) y “Llegó el día” (1983), la banda comienza a cambiar su sonido hacia el pop de la época quizá buscando ser más comerciales, lo que les hace caer en una crisis que afectara a su estilo personal. La muerte en accidente de tráfico de Jesús de la Rosa el 14 de Octubre de 1983, al chocar su citroen BX frontalmente contra una furgoneta en la provincia de Burgos, acabará repentinamente con la carrera del grupo Triana.

Inspirados por el estilo Rock del grupo Triana, comienzan a surgir gran cantidad de bandas de Rock Andaluz entre las que se encuentran Imán Califato Independiente, que con discos como “Imán Califato independiente” (1978) y “Camino del Águila” (1980) combinan el rock sinfónico de Camel, con el Jazz y el flamenco. El grupo cordobés Mezquita también fusionará el Rock Sinfónico con el folklore andaluz y los toques arábigos en discos como “Recuerdos de mi Tierra” (1979). También cordobés es el grupo Guadalquivir, que cultivó un Rock aflamencado orientado hacia el jazz fusión y la música árabe en trabajos como “Guadalquivir” (1978) y “Camino del Concierto” (1980). El grupo gaditano Cai, combinará el Jazz con el sinfonismo de grupos como Camel y la belleza y exuberancia de la música andaluza, en discos como “Noche Abierta” (1980).  Alameda trata de fusionar los ambientes flamencos y los ritmos latinos, utilizando a menudo temas románticos e introspectivos en trabajos como “Alameda” (1979), o “Misterioso Manantial” (1980).

En definitiva los años 60 comenzaron con el éxito de grupos como The Beatles, Rolling Stones o The Shadows, quienes colocarán en el primer plano de la actualidad a escala mundial a Gran Bretaña, que a su vez se transformará en un escaparate musical en el que otros países van a mirarse. El fenómeno del Rock Psicodélico y más tarde el Progresivo y el Progresivo sinfónico, enriquecerán el legado del Rock clásico pero adaptándolo a las peculiaridades de cada territorio, como es el caso del Rock Andaluz que acabamos de ver.

(Prohibida la reproducción total o parcial de este artículo sin la autorización del autor)